横浜・根岸の工場地帯

Oil Refinery in Yokohama

自宅からそう遠くない横浜・根岸には巨大な工場が立ち並んでいて、よくその辺りを散歩する。その中心が、海岸べりにある日本一の石油精製工場。中東からの石油タンカーが接岸する専用の埠頭があり、タンカーから工場へ直接パイプによって原油が送られる。

精製工場には無数のタンクが並んでいる。

ここで原油はガソリンやナフサや軽油などに分けられる。

石油精製工場の隣には発電量日本一の火力発電所がある。

精製工場のすぐ隣だから、燃料の石油を直接パイプで供給できて効率がいい。

精製工場の周辺には石油やナフサなどを使う石油化学工業の工場が

並んでいる。これはセメント工場。周りにはタンクローリーが走り回っている。

そういう工場のさらに周辺には、小さい町工場の区域がある。かなり

広い範囲にわたって町工場が並んでいる。（雨の日のスケッチ）

JR根岸駅は乗降客の少ない駅だが、代わりに石油運搬のタンク車がズラリと

並んでいる。精製工場からの専用線と繋がっている。（駅ホームからの眺め）

映画「リプリー」の映像表現

「Repley」 

NETFLIX 版の「リプリー」は昔の「太陽がいっぱい」と同じ原作の映画化だが、演出のスタイルがまったく違う。同じ犯罪映画であるが「太陽がいっぱい」明るい太陽のもとで起こる事件だったが、「リプリー」では人間の暗部を描くダークな「フィルム・ノワール」になっている。

名作フィルム・ノワールが白黒映画であったようにこの映画も白黒で、モノクロームを活かした映像の美しさがが素晴らしい。例えばこの夜の街のシーンで、街灯の光が雨に濡れた道を照らしている。全体は暗い闇に包まれていて、登場人物もシルエットだ。人間の暗部や、都市の不安な空気感を描いている、このような光と影の効果による陰影に富んだ映像表現は。フィルム・ノワール映画の定番手法だ。

他にもこの映画はひとつひとつのカットで、カメラアングルや構図が計算し尽くされているが、いくつかの印象的な場面をあげてみる。

主人公がナポリの古い街で道に迷う。ボロボロの建物に囲まれた迷宮のような雰囲気。

主人公がリゾート地アマルフィーにバスで来る。ブリッジと建物による造形的な構図が見事。

海岸に錨が置いてある。不安感に満ちた風景だ。これから起こることを予感させている。

主人公が知人の大豪邸で海を眺めているシーンのスタイリッシュな構図。

主人公がフェリーから荒れた海を眺めている。真上からのアングルが不安感を感じさせる。

日本の写真の歴史

 The history of photography

写真の歴史を調べていると、必ず真っ先に出てくるのが「ダゲレオタイプ」で、フランス人のダゲールが 1839年に発明した世界最初のカメラだった。この「ダゲレオタイプ」のカメラが1840年代にオランダ船によって日本にもたらされた。幕府に支えていた時計職人の上野俊之丞がこれを使って日本初の肖像写真を撮った。

長崎に日本初の写真スタジオを開いたのは上野俊之丞の息子の上野彦馬だった。もっぱら武家などの肖像写真を撮り、日本初の写真師となった。

「ダゲレオタイプ」は日本では「銀版写真」と呼ばれ、直接 金属板に感光させて、焼き付ける方式で、感光材料の製造技術は複雑で高価だった。それは直接ポジ像を作る方式だから何枚も複製することができない。だからほとんど普及しなかった。

本当の意味で写真が日本で開花したのは「湿板写真」という方式がもたらされた1850年代からだった。ガラス板に液状の感光材料を塗って感光させる方式だった。ガラス板はフィルムと同じで ネガ / ポジ方式 だから紙に何枚も印画できた。それで初めて写真が一般に普及していった。それをビジネスとして始めたのが「横浜写真」の下岡蓮杖で、「日本写真の開祖」と呼ばれるようになった。これについては先日書いた。→ https://www.blogger.com/blog/post/edit/5842824525266145803/1455832997182821526

昨日（6 / 1）は「写真の日」となっていて、上記 上野俊之丞が日本で初めて肖像写真を撮ったことからきている。しかし本当の意味での日本の写真の始まりはそうではなかった。

下岡蓮杖の「横浜写真」事始め

The Origin of Yokohama=photo 

前回に続いて、「横浜写真」についてもっと知りたいと思い資料を探していたら、「大江戸庶民事情」（石川英輔）という本に、横浜写真の開祖.下岡蓮杖についてマニアックなまでに詳しい記述があった。下岡蓮杖についての資料はほとんど残っていないため、詳しいことがわかっていないが、著者はさまざまな推理を働かせている。

当時の写真術は「コロジオン湿板法」といい、ガラスの上に液状の感光材料を塗り、それをカメラにセットして撮る。この観光材料は蒸発しやすく、乾燥すると感光しなくなる。出来たての濡れているうちに撮影しなければならないやっかいなものだった。蓮杖はその感光材料を作る作業を、野毛の田んぼの真ん中にある掘立小屋でやっていた。

感光材料の開発に成功した蓮杖は、商業写真に利用するために撮影スタジオを作ることにするが、田んぼの真ん中の不便なところにあっては客が来ない。しかし乾燥しないうちに短時間で感光材料を運べるように、外国人居留地に近いところでなければならない。その条件を満たす場所として、大岡川の都橋のすぐのところ、今の野毛一丁目に蓮杖の写真館があったと著者は推定をしている。

著者がそれを割り出したのは、「横浜御開地明細之図」という野毛のあたりを描いた古地図からだ。「大岡川」「のげむら」「いせ山」などの地名が読める。

しかしそれでも野毛では経営が苦しくなった蓮杖は野毛の店をたたみ、関内の馬車道へ移る。すると外国人の客がたくさん来て、写真館としての経営が軌道にのる。さらに翌年には本町にもスタジオを新設し、馬車道の方は支店として弟子に任せたという。現在、蓮杖の記念碑が馬車道にあるのはそのためだ。

「横浜写真」の始まりと発展

 YOKOHAMA-photo

横浜が開港した江戸時代末期に、横浜で日本初の写真師. 下村蓮杖が初めて写真館を開いたので、横浜は「写真発祥の地」と呼ばれている。そして横浜には数多くの写真館が開設され、外国人観光客相手の土産用の写真で商売繁盛した。それらの写真は「横浜写真」と呼ばれた。

「ドイツにおける＜日本＝像＞  」というドイツ人が書いた本は、西欧人が抱いている日本のイメージが出来上がってきた歴史を研究しているが、その中に写真が重要な役割を果たしていたことを書いている。そして「横浜写真」の始まりからその後の発展に至るまでの歴史について詳述している。

1871年に「乾板方式」がイギリス人によってもたらされ、写真製作が一段と容易になり、全国の開港場で商業写真を撮る写真館が開設されていった。とりわけ横浜では日本人写真師による写真館が数多く開業し、その写真は「横浜写真」と呼ばれた。それは明治なっても続いていく。

「横浜写真」は外国人の日本土産用の写真で、いかにも日本らしい日本の風景や風俗をモチーフにしていた。名所の風景や都市・農村の光景や、職人や人力車夫や家事をする主婦などの日本人の風俗などだった。それはヨーロッパ人が持っている「旧き日本」のイメージを求める西洋人の需要に応える写真だった。

当時は長時間露光が必要だったため、屋外で撮ることは絶対になく、スタジオ内で撮られた。「書割」という手描きの背景画の前でモデルがポーズをとる。この「日本の農夫」という写真では、丸い編笠を被り、稲藁で作った蓑に草履を履いて、床に白粉を撒いた雪を踏み締めて歩く姿のモデルを撮っている。背景は布に描いた雪景を使っている。

明治初めに横浜写真は黄金期を迎えるが、最も人気のあったモチーフは着物を着た女性だった。この例は、昆虫を売る虫売りの屋台とそこに３人の若い娘がポーズをとっている。田舎風の情景は書割りで、床には布が敷いてある。

日本の商業写真の特徴は印画紙の写真に色を施す手彩色だった。明治なって失業した浮世絵の刷り師たちがこの新しい仕事に従事した。まるでカラー写真のように見える名人芸的手法は日本独自の手法として発展していき、西洋人の人気を博した。右の「鼓を打つ芸奴」は横浜写真の名手だった玉村康三郎の作。

これらの写真は西洋に日本のイメージを伝える役割を果たしたが、写真が、ヨーロッパの出版物の挿絵の下絵として使われることもあった。下の「若い日本女性」という例では、二人の女性が寝ている姿の写真をそっくりイラストに使っている。

横浜写真が終わりを告げるのは、20世紀初めに日露戦争で日本が勝利した時だったという。横浜写真に撮られていた日本のイメージが現実の日本の姿でなく、幻想だったことが知られてしまったのだ。

「横浜写真」の始まり

 Yokohama-Photo

開港間もない横浜で始まった写真の記念碑が馬車道にある。上に箱型のカメラが乗っていて土台には「日本写真の開祖  写真師・下村蓮杖  顕彰碑」とある。下村蓮杖は、居留外国人や外国人観光客を相手に日本初の写真館を開いた写真師だった。その写真は「横浜写真」と呼ばれた。

日経新聞のコラムの「はじまりの横浜 10選」シリーズで「◯◯発祥の地」が多い横浜のさまざまな文化の「始まり」を取り上げている。そのなかで、玉村康三郎という、もう一人の「横浜写真」の写真師を紹介している。

玉村康三郎も下村蓮杖と同じ頃に横浜に写真館を開業したそうだ。彼も肖像や風景を撮って、外国人向けの日本土産用の「横浜写真」で商売をした。その中の一枚が記事に紹介されている。「鼓を打つ芸奴」という白黒写真に彩色をしたもので、なかなか美しい。

モホリ＝ナジの「フォトグラム」

 Photogramme

モホリ＝ナジは、造形芸術のさまざまな分野で、革新的な活動を行ったが、そのひとつが「写真」だった。写真による画期的な造形技法の「フォトグラム」を始めた。引き伸ばし機の上の印画紙にいろいろな物を置いて直接露光する。影の部分は白くなり、光が当たったところは黒くなる。さらに画像を描いたセロハンシートを挟んだりすると、ハーフトーンが生まれたりして、より複雑な画像が作れる。

右は 1922 年の「フォトグラム」の作品で、モホリ＝ナジがいかに先駆的な活動をしていたかがわかる。

写真に凝っていた若い頃、自分でも「フォトグラム」をやってみた。上の２枚は単純に物を置いただけのプリミティブな作品だが、モホリ＝ナジの説明のなかに、液体を使うこともできる、とあったので、やってみたのが下の１枚。

ダイアモンド富士

 Diamond Fuji

冬の晴れた日の夕方にはダイアモンド富士が見える。（135 mm 望遠レンズで撮影）

朝の富士山

 Mt. Fuji

今朝も快晴。富士山がくっきり。135 mm 望遠レンズ使用。

ピューリツア賞受賞の有名写真

 Pulitzer Prize

前々回、ピューリツァ賞受賞の写真「硫黄島の星条旗」が実はやらせだったということを書いたが、歴代ピューリツア受賞作品のなかで有名なものを挙げてみる。

ピューリツア賞の受賞作のなかで、もっとも有名な写真の一つは、「ナパーム弾の少女」だろう。ベトナム戦争で、アメリカ軍がナパーム弾で村々を焼き尽くしていたが、恐怖に怯えて逃げ惑う子供たちを撮っている。アメリカの通信社の専属カメラマンだったニック・ウトというベトナム人カメラマンが撮った。とくに中央にいる裸の少女が衝撃的で、アメリカ国内でのベトナム戦争反対の世論を加速させる役割を果たした。

日本人カメラマンも３人がピューリツァ賞の受賞をしている。その一人の沢田教一という人のベトナム戦争の写真で、「安全への逃避」という写真が世界的に有名になった。アメリカ軍の爆撃を逃れて、若い母親が４人の子供を連れて、川を渡っている。「写真」というメディアの訴求力の強さがわかる。

もう一人の日本人受賞者は酒井淑夫という戦場カメラマンで、同じくベトナム戦争を取材した「静かな雨、静かな時」という写真が有名。アメリカ兵がドシャ降りの雨のなかでひとときの休息を取っている。戦争の過酷さを捉えている。

日本人のピューリツァ賞受賞者のもう一人は長尾靖という毎日新聞社のカメラマンで、社会党党首の浅沼稲次郎が刺殺される決定的瞬間を撮った。演説している浅沼稲次郎を、学生服を着た17 才の右翼少年がナイフで刺そうとする一瞬だ。これは1960 年の事件だったが、当時テレビや新聞で連日報道され、今でもこの写真は鮮明に覚えている。

最近の受賞作品をあげると、飢餓に苦しむアフリカのスーダンで撮られた写真。痩せ細った子供が倒れていて、ハゲタカが死ぬのをじっと待っている。

もうひとつの例は、アメリカのボストンで撮られた一枚。学生のデモ隊が、関係のない通りがかりの黒人に暴行を加えている。手にしているのが星条旗であることが、人種差別のなくならないアメリカ社会の現実を見事に捉えている。

報道写真「焼き場に立つ少年」

 

米軍の従軍カメラマンが終戦直後の日本へ来て、原爆被爆の広島で撮ったこの写真「焼き場に立つ少年」は、近年有名になったので、多くの人が見て知っていると思う。10 歳くらいの少年が、すでに死んでいる弟を背負っている。被爆して死んだ大量の死体を次々と焼き場で焼いているが、少年はその順番を待っている。

撮影したカメラマンは、衝撃的なこの写真を封印してきたが、70 年くらいの時を経て発表した。すると核兵器の悲惨さを伝える写真として世界中に知られるようになり、日本人もこの写真を初めて知ることになった。

なおこのカメラマンは、写真の少年はまだ生きているかもしれないと思い、来日して調べたことも話題になった。

戦争ドキュメンタリー映画「WW II 最前線. ヒロシマ」（NETFLIX） に出てくるが、終戦と同時にアメリカは広島と長崎に医師団を派遣した。医療が目的ではなく、原爆が人間に与える「効果」を測定するためだ。その結果、原爆のあまりにも悲惨な結果を知って、アメリカは原爆に関する情報を徹底的に隠蔽した。日本側の記録映像なども押収され廃棄された。また進駐軍は被爆者の口封じもした。そして原爆の非人道性など無かったことにした。おそらく「焼き場に立つ少年」の写真も、アメリカ政府によって長いこと発表を禁じられていたのだろう。

ロトチェンコに憧れていた昔の写真

 Photo Works of Student Days

 前回「写真」と「絵画」の関係について書いたなかで、写真に熱中していた学生時代にロトチェンコの作品に憧れていたことに触れた。そのついでとして今回は、当時の作品を紹介してみる。（2022 年に一度投稿したものを再編集。）今のようにスマホで気軽になんでも撮る時代ではなく、「作品」を作るような感覚で撮っていた。プリントも引き伸ばし機を買って自分でやっていた。

なにか面白いモチーフがないかと、あてずっぽうで競馬場へ行ってみた。馬券を買う人の列と、まわりにハズレ馬券が散らばっている光景を上から見おろすチャンスがあり、「これだ」と思ってシャッターを押した。人間と馬券が画面の中で面白い構成を作っている。「ロシア構成主義」といわれたロトチェンコの写真は、遠近法を基本にした絵画的な構図を排除して、奥行きや立体感をなくすアングルで撮った。それによって２次元的で平面的な画面構成をした。モチーフの人間や物は構成のための要素でしかない。

場所は忘れたが、どこかの海辺で撮った写真。オレンジフィルターを使って中間トーンを飛ばして、光と影のコントラストを強調した。そのことで、対象を「点」や「線」や「面」の幾何的形態に還元して、写真的なリアリティをなくし、画面構成に徹している。

ワイングラスをいろいろなアングルで撮って、それらのネガを複数枚重ねてプリントした。いわゆる「ダブルイメージ」だ。「構成主義」そのままの写真。

ロトチェンコは、遠近法を基本にした絵画的な写真を排除するために、対象を真上や真横から撮るアングルを多用した。それを真似したのがこの写真。どこかの駅の線路と乗務員用の通路を高いアングルから撮った。線路の水平線と通路の垂直線の交差による構成が面白い。点景の乗務員の位置も絶妙だ。

彫刻家の本郷新のアトリエを見学に行った時の写真。真夏の太陽の光と暗い岩の陰とで画面を真っ二つした大胆な構図だ。コントラストを強調するためにオレンジフィルターを使った。今見てもよく撮ったと思う一枚だ。

写真と絵画の関係の歴史

 

1839 年にダゲールが写真を発明して以来、写真はさまざまなかたちで発展してきたが、特に「写真」が「絵画」から受けた影響と、「絵画」が「写真」から受けた影響と、その両者の関係が面白い。そのことを当ブログで何回か書いてきたが、今回それらを再編集しながら一つにまとめてみた。ちょっとした「写真と絵画の関係史」になりそうだ。

⚫︎絵画の模倣をする写真（2025. 8. 9. 投稿）

19 世紀に写真が発明されると、絵画が大きな影響を受ける。それまでの写実絵画が、写実性の点で写真と対抗できなくなって、カメラという機械にはできない、人間が感じる印象を描く「印象派」が生まれたとされる。

一方で誕生したばかりの写真は、外国の珍しい風景や、人間の肖像を撮るなど、「記録」の機能しかはたせなかった。しかしやがて、写真も芸術になりたいという願望が生まれ、絵画の模倣をするようになる。現在、東京写真美術館で開催中の写真展「トランス・フィジカル」展に出展されている「アジャンの風景」（1877 年）は写真だが、どう見ても印象派の絵画のように見える。実際に印象派全盛の時代の作品で、初期の写真は、絵画を追いかける「絵画の模倣」（ピクトリアリズム）だったことがよくわかる。なおカラーフィルムがない時代だったのに色がついているのは、３原色れぞれのモノクロームで撮ったフィルムを３枚重ねるという色彩の減算混合の原理を応用している。

「アジャンの風景」ルイ・デュコ・デュ・オーロン（1877 年）

⚫︎ピクチャレスク絵画（2014. 8. 4. 投稿）

印象派と同じ頃の19 世紀アメリカでは、「ピクチャレスク絵画」が大人気になる。それは「絵のように美しい風景を描いた絵」の意味であり、アメリカ人が大好きな写実絵画だった。その代表が「ハドソン・リヴァー派」で、まだ未開の土地だったハドソン川流域の風景を描いた。アメリカらしい壮大な大自然を、美しく崇高な絵として描いた。

彼らは旅行をしながら写真を撮って、それを参照しながら、時には複数の写真を組み合わせるなどして、実際には存在しない理想の風景を描いた。それらは大キャンバスに細部まで非常に精密に描かれていた。19 世紀末には、大サイズで高精細のステレオスコープ写真がすでにあり、それに対抗するためだったという。

　「シエラ・ネバダ山脈のあいだ」アルバート・ビアスタット

⚫︎ロシア構成主義のロトチェンコの写真革命（2021, 1, 11, 投稿）

「ロシア・アヴァンギャルド」と呼ばれる20 世紀初頭のロシアの前衛芸術運動は美術に革命を起こした。それは「ロシア構成主義」とも呼ばれ、中心になったロトチェンコは、グラフィック・デザイナーであり、写真家でもあった。

ロトチェンコは、絵画的な美しさを理想として、絵画の追随をする写真を否定して、写真独自の可能性を追求した。そのため絵画の遠近法的視覚でなく、真上や真横からのショットを多用した。代表作のひとつのこの写真は、光と影の強烈なコントラストによって、対象の立体感をなくして、２次元的な平面構成を作っている。写真に凝っていた学生の頃、ロトチェンコに憧れて、それを真似したような写真を撮っていた。

「ライカを持つ女」ロトチェンコ

⚫︎マン・レイの「ソラリゼーション」写真（2022, 10, 26, 投稿）

マン・レイは1930 年代に、雑誌などの商業写真で活躍した。「ソラリゼーション」の技法を始めて、一世を風靡した。写真でありながら写真的でない、手で描いたイラストレーションのような写真だ。露光した印画紙を現像液につけて画像が現れ始めたら一瞬だけ暗室のライトを点ける。するとネガとポジが入り混じったような不思議な感じになる。昔、「ソラリゼーション」を真似していたが、「マン・レイと女性たち」展（2022 年）で初めて現物を見ることができた。

⚫︎スティーグリッツの「ピクトリアル写真」（2014, 8, 4, 投稿）

20 世紀前半にアメリカで活躍した写真家アルフレッド・スティーグリッツは、ニューヨークの街をモチーフにして、雪・雨・霧などの自然現象を使って詩情たっぷりの写真を撮った。霧に煙ったビルや、雨に濡れた歩道に映る光など、絵画的な写真を、自ら「ピクトリアリズム」と呼んだ。

スティーグリッツは、撮したい場所を事前にロケハンをして構図を決め、イメージスケッチをした。そしてその場所にカメラを設置して、イメージ通りの光と影ができる瞬間を何時間でも待った。そして、すべてのバランスが整った瞬間にシャッターを押した。

アルフレッド・スティーグリッツ

⚫︎「フォト・リアリズム」（2014, 8, 4, 投稿）

1970 年代から1990 年代にかけてアメリカで、「フォト・リアリズム絵画」が大流行した。写真をプロジェクターでキャンバスに投影して、その像をなぞりながら描く。写真以上に細密な超絶写実絵画だ。下の例でわかるように、ひとつひとつのモノの微妙な光の反射に至るまで、細密に描かれている。高精細の写真や CG の発達で、人間の目では見えなかったものが見えるようになった時代に、「写真的視覚」というものの見方が発見され、それを利用することで生まれた新しい概念の絵画だった。

参考文献

「アメリカン・リアリズムの系譜」　小林剛著

「トランスフィジカル」展 図録　東京都写真美術館編

「ロトチェンコの実験室」ワタリウム美術館編

「マン・レイと女性たち」展 図録　神奈川県立美術館編

「影の歴史」　ヴィクトル・I・ストイキツァ著

写真展「トランスフィジカル」の「絵画の模倣」的な写真

 Tokyo Photographic Art Museum : TRANSPHYSICAL

数年ぶりで東京都写真美術館へ行き、写真展「トランスフィジカル」を見た。写真が発明された19 世紀から、写真がデジタル化された現代までを振り返り、これからの写真がどういう方向へ進むのかを考えさせる展覧会だ。

その中の第１室のテーマが「撮ること、描くこと」で、写真と絵画の関係に焦点を当てている。以下にそのいくつかを紹介。（写真は同展の図録より）

入るといきなりあるのが「アジャンの風景」（1877 年）で、どう見ても印象派の絵画のように見える。実際に印象派全盛の時代の作品で、よく言われるように、生まれてまもない初期の写真は絵画を追いかけていたということがよくわかる。「絵画の模倣」（ピクトリアリズム）の時代だった。なおカラーフィルムがない時代だったのに色がついているのは、３原色それぞれに着色したゼラチンの層を３枚重ねるという方法をとっているという。

「５月の収穫」（1862 年）という横長の大作で、合成写真をやっている。背景の森の写真のネガを一部を切り抜いて、そこに人物の写真のネガをはめ込んでいる。右下の少女の部分のはめ込みパーツも展示されている。

「美濃笠の男、比叡山」（1906 年）は、明治時代の日本人の作品。構図といい、霧の表現といい、日本の伝統的な山水画的な絵画的効果が見事。

「バレエ公演の観客」（1950 年）は、 20 世紀に入ってからの新しい作品。抽象絵画風だが、もはや「絵画の模倣」ではない。絵の具の代わりに、写真という画材を使って、写真でなければできない、絵画的な表現をしている。写真でもあり、絵画でもある、両者の融合だ。

近代写真の父 アルフレッド・スティーグリッツ

 Alfred Stieglitz　

19 世紀末、アルフレッド・スティーグリッツは、「芸術としての写真」で、写真家として国際的な評価を得た。

多くはニューヨークの風景をモチーフにして撮った。冬の澄んだ空気の中でそびえ立つビルや、濡れた雨の歩道に映る光や、樹木や人物のシルエットなど・・

このように、霧に煙ったような雰囲気や、どことなく曖昧な画面、光と影のコントラストなどの、詩的な情感を引き起こす絵画的な写真だ。

スティーグリッツは、たまたま見かけた風景をスナップ写真的に撮るのではなく、あらかじめ構図を決めておいて、その場に待機して、天候や光の具合が自分のイメージ通りになるまでじっと待ったという。